L’art cinétique : définition, histoire et artistes
Un mouvement né de l’idée que la sculpture pouvait bouger et que le regard du spectateur faisait partie de l’œuvre. Des premiers mobiles des années 1920 aux salles immersives d’aujourd’hui, voici ce qu’il faut comprendre, et où voir ces œuvres en France.
Qu’est-ce que l’art cinétique ?
L’art cinétique désigne les œuvres dont le mouvement est un élément constitutif, et non un sujet représenté. Une peinture de cheval au galop représente le mouvement ; une œuvre cinétique le produit.
Ce mouvement prend deux formes. Il peut être réel : un moteur, un courant d’air ou la main du visiteur déplacent physiquement une partie de l’œuvre. Il peut aussi naître du déplacement du spectateur devant une pièce immobile, dont l’aspect change selon l’angle et la distance. Dans les deux cas, l’œuvre n’a pas un état unique : elle en traverse une série, et personne ne les voit jamais tous.
C’est ce qui explique la frustration des reproductions. Une photographie d’œuvre cinétique fige exactement ce que l’artiste voulait rendre instable. Il faut se déplacer devant la pièce pour comprendre ce qu’elle fait.
Les quatre traits du mouvement
Le mouvement plutôt que sa représentation
C’est la rupture fondatrice. Jusqu’alors, un tableau montrait quelque chose. Ici, l’œuvre fait quelque chose, et ce qu’elle fait se déroule dans le temps.
Le spectateur comme moteur
Beaucoup de ces œuvres n’existent pleinement que devant quelqu’un qui bouge. Le Groupe de recherche d’art visuel, fondé à Paris en 1960, en a fait un principe explicite : il organisait des parcours et des salles de jeu où le public manipulait les pièces. L’idée était politique autant qu’esthétique, puisqu’il s’agissait de retirer à l’artiste le monopole de l’œuvre achevée.
Le temps comme matériau
Une sculpture classique se donne d’un coup. Une œuvre cinétique demande d’attendre : un cycle lumineux met parfois plusieurs minutes à se boucler, un mobile ne repasse jamais exactement par la même position.
Les matériaux de l’industrie
Ces artistes travaillent avec ce que leur époque produit : plexiglas, aluminium poli, moteurs électriques, tubes de néon, ampoules colorées, cartes électroniques. Rien de noble, tout de fonctionnel. Cette décision explique aussi pourquoi les œuvres de cette période posent aujourd’hui des problèmes de conservation inédits : un moteur des années 1960 finit par lâcher.
Yaacov Agam
Sans titre, 1982
Un relief à prismes triangulaires : chaque face porte une composition différente, et l’œuvre change entièrement selon l’endroit d’où on la regarde.
Aux origines du courant
Les années 1920, les premiers essais
Marcel Duchamp fait tourner ses Rotoreliefs, Naum Gabo construit une tige vibrante qui dessine un volume dans l’air, László Moholy-Nagy assemble au Bauhaus son Modulateur espace-lumière, une machine qui projette des ombres mobiles. Ces expériences restent isolées, mais elles posent la question.
Calder et le mobile
Dans les années 1930, Alexander Calder suspend des plaques métalliques à des tiges équilibrées. Le vent suffit à les animer. Le mot mobile lui est soufflé par Duchamp. C’est la première fois qu’une sculpture mouvante devient un objet familier plutôt qu’une curiosité de laboratoire.
1955, l’année charnière
En avril 1955, la galerie Denise René, à Paris, réunit dans l’exposition Le Mouvement des œuvres de Calder, Duchamp, Jean Tinguely, Victor Vasarely, Jesús-Rafael Soto, Yaacov Agam et Pol Bury. Ce qui n’était qu’une série de recherches parallèles devient un courant identifiable. Paris en sera la capitale pendant vingt ans.
Les années 1960, la diffusion
Le mouvement s’organise : le GRAV à Paris, le Groupe T à Milan, le ZERO en Allemagne. En 1965, l’exposition The Responsive Eye au Museum of Modern Art de New York fait connaître ces recherches au grand public américain, sous le nom d’op art. Le succès sera si rapide que la mode s’en empare, et que le courant en pâtira.
Paris et l’Amérique latine
On oublie souvent que l’art cinétique européen doit beaucoup à Buenos Aires, Montevideo et Caracas. Dans les années 1940, des artistes argentins et uruguayens fondent les mouvements Madí et Arte Concreto Invención. Leur geste décisif est d’abandonner le châssis rectangulaire : le tableau se découpe, s’articule, devient parfois mobile.
En posant la question du cadre et de la manipulation, ils préparent le terrain. Beaucoup viennent ensuite s’installer à Paris, où ils rencontrent l’abstraction géométrique européenne. Carmelo Arden Quin arrive en 1948, Jesús-Rafael Soto en 1950, Julio Le Parc en 1958, Martha Boto et Gregorio Vardanega dans la même période.
Cette double origine explique la physionomie de la collection Cherqui, dont le noyau est largement latino-américain.
Carmelo Arden Quin
Trapèzes, 1946
Le châssis n’est plus un rectangle : sa forme découpée devient un élément de la composition, au même titre que ce qui est peint dessus.
Comment on met une œuvre en mouvement
Le moteur
La solution la plus directe : un mécanisme entraîne des éléments selon un cycle réglé. Martha Boto enferme dans des caissons des pièces réfléchissantes mues par de petits moteurs, éclairées de l’intérieur. Le résultat évoque le mouvement de l’eau, et ne se répète jamais tout à fait.
Les éléments naturels
Le vent pour les mobiles de Calder, la chaleur pour les pièces qui exploitent les courants d’air ascendants, l’eau chez Gyula Kosice, qui en fait un matériau de sculpture dès les années 1940.
Le déplacement du regard
Aucune pièce mobile, aucune électricité : deux trames superposées à quelques centimètres suffisent. Le moindre pas de côté fait vibrer l’ensemble. C’est le procédé de Soto, et c’est aussi le plus économe.
La lumière
Ampoules colorées, tubes de néon, projections à travers des éléments en rotation. Ici, la lumière n’éclaire pas l’œuvre : elle est l’œuvre. On parle alors d’art lumino-cinétique.
La main du visiteur
Certaines pièces se manipulent : on les réoriente, on déplace un élément, on modifie la composition. L’œuvre n’a pas une forme définitive, elle en propose plusieurs.
Jesús-Rafael Soto
Mural historique
Deux trames superposées et légèrement décalées : l’œil ne parvient pas à les stabiliser, et le mur se met à vibrer dès qu’on avance.
Les artistes à connaître
Six noms suffisent à comprendre le courant, et la Fondation Cherqui conserve des œuvres de cinq d’entre eux.
Jesús-Rafael Soto
Le Vénézuélien qui a fait entrer le spectateur dans l’œuvre. Ses Pénétrables sont des volumes de tiges suspendues que l’on traverse physiquement.
Julio Le Parc
L’Argentin cofondateur du GRAV, Grand Prix de la Biennale de Venise en 1966. Ses surfaces mobiles renvoient des reflets qui se recomposent au moindre déplacement.
Yaacov Agam
Ses reliefs à prismes triangulaires changent complètement d’image selon l’angle. Il refusait l’idée d’une œuvre qui se livrerait d’un seul coup.
Victor Vasarely
Le plus connu du grand public, souvent rangé du côté de l’op art. Ses damiers déformés donnent à une surface plane une profondeur qu’elle n’a pas.
Alexander Calder
L’Américain qui a inventé le mobile et fait entrer le mouvement dans la sculpture, sans moteur ni électricité.
Jean Tinguely
Le Suisse des machines bruyantes et absurdes, qui tournent sans rien produire. L’ironie en plus, comme contrepoint à la rigueur géométrique des autres.
Où voir de l’art cinétique en France ?
Le courant est mieux représenté en France qu’on ne le croit, mais il est dispersé.
Le Centre Pompidou conserve un ensemble de référence dans ses collections d’art moderne, avec des pièces majeures de Soto, Le Parc, Tinguely et Vasarely, présentées par rotation. La Fondation Vasarely, à Aix-en-Provence, occupe un bâtiment conçu par l’artiste lui-même. Le Musée d’art moderne de Nantes a consacré au courant l’exposition Electric Op, qui examinait son rôle dans l’émergence de l’art vidéo.
La Fondation Cherqui, à Aubervilliers, présente la particularité d’être entièrement consacrée à ce courant. Cinq mille œuvres réunies par un seul collectionneur, exposées sur mille mètres carrés dans d’anciens laboratoires pharmaceutiques, avec une part importante d’art latino-américain que l’on voit rarement ailleurs en Europe. Certaines pièces se touchent, et trois installations monumentales font partie du bâtiment.
Questions fréquentes
Quelle est la différence entre l’art cinétique et l’op art ?
L’art cinétique met en jeu un mouvement réel : l’œuvre bouge, ou bien elle change quand le spectateur se déplace. L’op art produit une illusion de mouvement sur une surface parfaitement immobile. Les deux courants sont nés en même temps et de nombreux artistes ont pratiqué les deux.
Qui a inventé l’art cinétique ?
Aucun artiste isolé. Les premières pièces mobiles apparaissent dans les années 1920 avec Naum Gabo, Marcel Duchamp et László Moholy-Nagy. Alexander Calder invente ensuite le mobile. Le courant prend son nom et sa cohérence à Paris en 1955, avec l’exposition Le Mouvement à la galerie Denise René.
L’art cinétique existe-t-il encore aujourd’hui ?
Oui. Il s’est prolongé dans la sculpture mécanique, dans les installations lumineuses et dans l’art numérique, où le mouvement est calculé plutôt que mécanique. La Fondation Cherqui conserve des œuvres de ces trois générations.
Où voir de l’art cinétique à Paris ?
Le Centre Pompidou en conserve un ensemble important dans ses collections. La Fondation Cherqui, à Aubervilliers, expose une collection privée de cinq mille œuvres consacrée spécifiquement à l’art optique et cinétique.
Faut-il connaître l’art pour apprécier une œuvre cinétique ?
Non, et c’était précisément l’intention des artistes du courant. Ils voulaient un art qui agisse directement sur la perception, sans passer par un savoir préalable. Une œuvre cinétique se comprend en marchant devant elle.